sábado, 14 de noviembre de 2009
reggae
Reggae
| Reggae | |
|---|---|
| Orígenes musicales: | Rhythm & Blues, Rocksteady, Ska, Mento. |
| Orígenes culturales: | Mediados de los 60 en Jamaica |
| Instrumentos comunes: | Guitarra, Bajo, Batería, Instrumentos étnicos, órgano hammond, teclados, bronces |
| Popularidad: | Alta en Jamaica, En Inglaterra el early reggae y el skinhead reggae a finales de los 60's y en ambientes rastafaris en los 70. A nivel mundial desde el salto a la fama de Bob Marley and The Wailers en los 70. |
| Subgéneros | |
| Skinhead Reggae, Rockers Reggae, Roots Reggae, Dub, Dancehall. | |
| Fusiones | |
| Raggamuffin, Drum'n'bass, Raggamuffin-Hip hop | |
| Enlaces | |
| Categoría:Reggae | |
El reggae es un género musical de origen jamaicano. El término reggae algunas veces se usa para referirse a la mayoría de los ritmos típicos de Jamaica, incluyendo ska, rocksteady y dub. Con reggae se denomina más a un estilo particular que se originó después del desarrollo del rocksteady. En este sentido, el reggae incluye tres sub-géneros: el Skinhead Reggae, el roots reggae y el dancehall.
El término reggae es una derivación de ragga, que a su vez es una abreviación de raggamuffin, que en inglés significa literalmente harapiento. Este topónimo se usó para designar a los pobres de Jamaica, y también a los Rastas y a los movimientos culturales de los barrios pobres. Actualmente se llama generalmente ragga o raggamuffin a algunos subestilos del reggae. Otras fuentes señalan que el término reggae proviene de una canción de The Maytals, llamada "Do the reggay", en la que la palabra "reggay" significaría "regular", es decir, gente común y corriente. Actualmente está muy difundido por todo el mundo e inclusive habitantes de varias islas vecinas como la isla de San Andrés y la de Providencia, en Colombia, lo interpretan como un género isleño.
El reggae se basa en un estilo rítmico caracterizado por cortes regulares sobre una música de fondo tocada por la batería rítmica, conocida como "Beat", y la batería, que se toca en el tercer tiempo de cada compás. Este ritmo es más lento que el de otros estilos precursores del reggae como el ska y el rocksteady.
Al reggae se lo asocia erróneamente con el movimiento rastafari, ya que muchos elementos de este movimiento fueron tomados e incorporados a su música por prominentes músicos de reggae en los años 70 y 80. El reggae nunca formó parte del orden ceremonial de la iglesia rastafari, y sus sacerdotes son muy claros al diferenciar el reggae y la música rastafari. Ellos señalan que el reggae es parte de la cultura jamaiquina y que la cultura rastafari es la cultura etiope africana y su música el Nyahbinghi.
Algunos de los intérpretes más conocidos del género son Bob Marley, Peter Tosh, Lizeth Alvarez y Jimmy Cliff, Steel Pulse, Bunny Wailer, Black Uhuru, Lucky Dube, Eddy Grant.
La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk.
La primera aparición de la música reggae es atribuida a la canción "Fat man" del cantante Derrick Morgan. Aunque hay quienes sostienen que "Do the reggay" del grupo The Maytals liderado por Toots Hibbert, fue el primer tema.
El reggae, como sus antecesores, el rocksteady y el ska, se desarrolló influido por otros estilos que se escuchaban en Jamaica, basándose en sonidos Afro-Norteamericanos como el rhythm & blues, o de origen Afro-Caribeño como el Calipso, ska y otros ritmos antillanos.
- La tradición cultivada en Jamaica por descendientes de esclavos.
- La música de charangas y bandas de viento, impulsada por los colonizadores británicos.
- La música popular estadounidense (soul, rock n' roll, rhythm & blues) y afro-antillana (soca, calypso, mento), que se escuchaba en la radio y se vendía en discos.
- Los cánticos de iglesia, relacionados con el gospel de EE.UU.
Estilos
En Jamaica, nuevos estilos se han hecho populares, entre ellos, el Dancehall y el Ragga (también conocido como raggamuffin) consistente en un reggae con bases electrónicas, probablemente influenciadas por el Hip-Hop, Drum & Bass – y otros estilos.
Gracias a la labor de DJ Kool Herc, surgió en las calles de Nueva York una nueva cultura llamada Hip-Hop que incluye, entre sus expresiones sonoras, la música Rap que en su origen consistía en un DJ (Disc Jockey) que se encargaba de poner bases musicales en vinilo sobre las cuales un "MC" (Maestro de Ceremonias) recitaba rimas al ritmo de la música. Los términos Jaying, Toasting o Chating son usados en Jamaica. Generalmente el término rapper se usa en todo el mundo aunque se relaciona directamente con el Hip-Hop y con el Rap y no con el reggae.
Roots (Raíces)
Se llama roots reggae ("reggae raíz") a una variedad de reggae sobre la cual se desarrollaron las distintas variaciones de estilos. Los temas recurrentes en las letras son la pobreza, la resistencia a la opresión del gobierno y la mención a la ganja o marihuana. En algunos casos, sus letras mencionan la alabanza a Dios o Jah a menudo se exclama Rastafari queriendo decir "Príncipe Tafarí" (ras es príncipe en amaharico), que alude al nombre de nacimiento, Tafari Makonnen, de Haile Selassie I Rey de Etiopía (1892-1975), reconocido como Dios en su carácter de Rey por los rastafaris. Hay quien considera que el roots reggae tuvo su cumbre a finales de los años 1970, con cantantes como Johnny Clarke, Horace Andy y Lincoln Thompson trabajando con productores de estudios como Lee "Scratch" Perry, King Tubby y Coxsone Dodd. La investigación experimental de tales productores dentro de parámetros tecnológicos a menudo limitados dio paso al dub, y es vista por algunos historiadores de música como uno de las primeras contribuciones al desarrollo del techno en Costa Rica (aunque en sonido analógico).
El roots reggae es una parte importante de la cultura jamaicana. Aunque otras formas de reggae, como el dancehall lo han sustituido en términos de popularidad en Jamaica, el Roots Reggae ha encontrado un pequeño, pero creciente lugar a nivel mundial.
También se dice en la misma Jamaica, que antes cuando se escuchaba el blues alla llegaba en ondas a menudo entre cortada, y ellos tratando de imitar el sonido poco a poco fueron creando el reggae, esto en cuanto a la base de la rítmica y los patrones que se usan son muy parecidos a los del blues y el jazz.
Rockers
El rockers reggae es un subgénero de música del reggae que se hizo popular a mediados y finales de los 1970, existiendo simultáneamente con el roots reggae y compartiendo características con el dub. El nombre proviene del sound system y sello discográfico llamado Rockers, propiedad de Augustus Pablo. También a veces se conoce como el lovers rock, refiriéndose a la frecuencia de temas románticos en el trabajo de algunos artistas, como Gregory Isaacs, Horace Andy, Black Uhuru, Junior Muruin, y Dennis Brown, Steel Pulse, Aswad y Matumbi.La música reggae frecuentemente toca temáticas de tipo social, además de políticas o religiosas. Este compromiso que adopta en ocasiones el reggae permite enlazarlo con otros estilos como la canción de autor o el punk.
La única manera de escuchar música era a través de los Sound systems. Originalmente solían ser fiestas al aire libre en el centro de Kingston. La gente se reunía a escuchar la música y disfrutar del ambiente mientras el DJ animaba al público. En la década de los años 50 los jóvenes jamaicanos estaban muy interesados por la música que llegaba de Estados Unidos, y que por las circunstancias sólo era posible escucharla gracias a las estaciones de música del Sur de Florida y los potentes vatios de los denominados Sound Systems. Los Sound Systems sustituyeron a las orquestas de los locales de música de los años 50. Resultaba mucho más económico alquilar un equipo para reproducir música norteamericana. El coste de disponer de un toca discos o radio propios se superaba poniendo sus altavoces en la calle para que todo el mundo escuchase música. Duke "The Trojan" Reid y Clement "Sir Coxsone" Dodd y Vincet "King" Edwards fueron personajes fundamentales en el desarrollo del Sound System jamaicano de 1950. Se encargaban de grabar sesiones para asegurarse un suministros de melodías exclusivas. También cabe destacar la importancia de la comunidad china asentada en Jamaica, a la que pertenecían excelentes productores asociados a los dueños de los Sound Systems. Algunos de los más importantes fueron: Lesie Kong, Byron Lee, Charlie Moo y por supuesto Vincent "Randy" Chin. Otro personaje importante fue Cecil Campbell, conocido después como Prince Buster, quien fue el primero en tener la visión y darse cuenta de la necesidad de un nuevo estilo. Enfatizó el contratiempo, es decir no en el “beat” o golpe rítmico, sino después de éste. Es así como nace el Ska. Se dice que el nombre viene cuando el futuro guitarrista de los Skatalites, Jah Jerry Haines, iba creando una canción como Prince Buster le había pedido y él dice que si pudiera generar el sonido con algunas letras, le sonaría a ska.
Los Sound Systems empiezan a grabar sus propias canciones para ganar ventajas competitivas entre ellos. La guerra entre Sound Systems escala al punto del envío de saboteadores por parte de la competencia para arruinar las fiestas. Estos saboteadores eran conocidos como Dance Hall Crashers. A pesar de la baja calidad de las grabaciones de Ska de este tiempo, los entusiastas de dicho ritmo lo llevan a un punto de popularidad altísimo. El Ska es reconocido como baile y música nacional de Jamaica. Como los bailes de los Sound Systems eran una de las pocas cosas que la gente del ghetto podía denominar como algo propio, se convirtieron en uno de los ejes principales de la vida del centro de la ciudad, incluso en barómetro para medir los gustos de la gente. De repente los productores comenzaron a realizar grabaciones para la venta; probaban los nuevos estilos en sus Sound Systems y casi todo el desarrollo de la música jamaicana (Ska, Rock Steady, Reggae, Dancehall, Ragga...) ha sido como consecuencia de la competición entre los Sound Systems por encontrar algo nuevo para atraer a las multitudes. La competición que existía por aquellos tiempos por demostrar quién tenía el mejor equipo y la música más cañera, era feroz, y los Sound Clashes (concurso por los cuales 2 Sound Systems alternaban canciones y eran puntuados según la reacción de la gente que asistía al evento) en algunas ocasiones derramaban violencia. Los Sound Clashes son todavía parte de la cultura del Reggae Algunos dubplates (discos de vinilo) tienen cortes ensalzando el nombre del Deejay y su Sound System. Son canciones realizadas exclusivamente por algún artista para un Sound System en concreto, dándole un gran valor añadido.
Actualmente los Sounds Systems internacionales a destacar son: David Rodigan, Kilimanjaro, Stonelove, Matterhorn, Base Odyssey...
En cuanto al panorama nacional español nombramos alguno de los Sounds Systems existentes: Ambassah (Bilbao-Santander), Massive (Bilbao), Neblina (Barcelona), One Blood (Barcelona), Pastizal (Madrid), Rootsseeker (Madrid), Stereotone (Valencia), Black Milho (Coruña)y La Risspect Krew (Tarragona)...
viernes, 13 de noviembre de 2009
reggaeton
Historia
Daddy Yankee, uno de los exponentes del género.
Existe un debate sobre el origen del reggaeton: para algunos es original de Puerto Rico mientras otros defienden que es de Panamá.
Otro origen lógico propuesto es el del inicio en Panamá. Este origen del género no muestra al reggaeton como variante del reggae directamente sino del dancehall reggae.
Se comienza a escuchar el reggaeton a principios de los noventa, con canciones de rap en español de fuerte contenido, como Soy de la calle de Vico C. El agrado por el rap dio fruto a éxitos como "La Escuela" de Ruben DJ, y "Gata Sandunguera" de Mey Vidal. La fusión del ritmo reggae, con el rap en español, dio origen a una fusión que ha evolucionado hasta lo que hoy conocemos por reggaeton. Entre las primeras canciones de la fusión podemos destacar "Me levanto los domingos" de Wiso G, que fue flanqueado con exponentes como Big Boy y producciones más viables del propio Vico C. El género reggaeton comenzó acuñando el término "under" en Puerto Rico, ya que debido al fuerte contenido de sus letras y la naturaleza de su lenguaje, era distribuido de manera clandestina entre la juventud. El primer "cassette" que se pudo vender comercialmente fue Playero 37, donde comenzaron cantando Daddy Yankee, O.G. Black, Master Joe, y otros.
Archivo:Don Omar R.jpg
Don Omar, uno de los exponentes del género.
El reggaeton pasó de ser género clandestino, a la única música que se escuchaba en sistemas de audio con gran bajo, dando a su vez un auge en "equipos de música" en todo tipo de autos. La comercialización dio paso a las tiraderas; Dj's enemigos con su bando de cantantes o corillos comenzaran una guerra lírica, donde se fue escalando la enemistad y la rencilla.
Estas rencillas y muchas otras hicieron decaer el reggeaton a finales de los noventa (1997-2000).
Un acuerdo entre todos los bandos de terminar con la tiraera permitió que se destacaran artistas a la misma vez que compilaciones. "Benny Blanco presenta a Daddy Yankee","Don Chezina" salieron al mercado, pero la gente siguió prefiriendo las compilaciones de varios artistas.
Se siguió escuchando el ritmo, ya popular entre la juventud, que llegó a calar en los sentidos rítmicos del resto de América Latina y los Estados Unidos, lo que le ha dado una posición no esperada para un género que en el año 2000 se consideró en penumbra. Este fenómeno internacional se inició con la aparición del dúo Hector y Tito, quienes fueron los primeros reggaetoneros en llenar conciertos y en mostrarle al mundo este pegajoso género con temas tales como Baila Morena, entre otros.
A partir de ese año entró en su momento de apogeo, conociéndose el estilo en múltiples países. El Reggaetón es el género musical escuchado en latinoamerica.
Características
Wisin y Yandel.
El reggaetón es un estilo popular entre los jóvenes de muchos países de América Latina, en especial de los países caribeños, siendo fácil de bailar y provocando movimientos muy sensuales. Las líneas de bajo y un ritmo repetitivo (casi clónico en todas sus canciones) son las características del reggaetón. Tiene una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones, dando una referencia fácil para el baile. El ritmo es una variación de las líneas rítmicas del dancehall reggae jamaiquino, que a mediados de los ochenta fusionaba rítmicas inspiradas en el funk, creando así ritmos fuertes y bailables. El reggaetón se suele asociar a una forma de bailar muy “sensual” y provocativa, con los cuerpos muy pegados, llamada a veces perreo (doggy style).
Las letras del reggaetón se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea pegadiza y de fácil identificación para el público. Este estilo de rima está también inspirado en el raggamuffin y dancehall jamaiquino, y en el rap.
El DJ es tan importante, que por lo general al inicio de las canciones, los cantantes nombran al o a los DJ que mezclan la pista de la canción.
Las voces cumplen una función importante, inclusive a veces tomando el rol del género. Sus letras no están muy elaboradas pero cumplen con su función. Los temas de las letras en un origen eran de denuncia social, pero con el paso del tiempo ha ido derivando en un tipo de letras mucho más festivas, abundando sobre todo las que aluden al sexo. En ocasiones este tema es manejado de forma discreta y en otras la letra es sexualmente explícita. El léxico que se emplea está lleno de modismos populares que le dan jocosidad o melancolía según sea el caso. También, algunas de sus letras son calificadas por sus críticos como machistas y simples. Algunas canciones tienen contenido amoroso y sentimental, dándole así un toque romántico al reggaetón. También existe el reggaeton cristiano, el cual lleva un mensaje consciente y de reflexión a un publico tan grande como el de otros tipos de reggaeton.
Otra característica del reggaetón son las voces estridentes, que son distorsionadas con equipos electrónicos, agregando un suave eco que le da más poder a cada palabra pronunciada (tipo dub, por ejemplo).
Críticas
La mayoría de las canciones del género son tachadas de tener un ritmo repetitivo y rimas sin sentido. Sin embargo, la mayoría de las críticas van orientadas hacia las letras, de contenido explícito; unos las tachan de inmorales mientras que otros indican simplemente que tienen un alto contenido violento, sexual y machista.
Diversos estudios aseguran que los sonidos, el vocabulario, la indumentaria, las letras y la actitud de este estilo se basan en el bandolerismo y la delincuencia ; estas acusaciones serían aún más graves que las del acusado sexismo de algunas de sus letras. Este es el motivo de que en algunos países se considere el cese de fomentar este género incluso en las emisoras de radio.
En Puerto Rico, la Comisión Nacional de Espectáculos Públicos y Radiofonía prohibió una canción y un vídeo. En Honduras, se ha presentado un anteproyecto de ley para regular la música con palabras obscenas, en especial el reggaeton. En España, el Instituto Canario de la Mujer se quejó a la cadena de televisión Telecinco por la emisión de vídeos de este género.
Daddy Yankee, uno de los exponentes del género.
Existe un debate sobre el origen del reggaeton: para algunos es original de Puerto Rico mientras otros defienden que es de Panamá.
Otro origen lógico propuesto es el del inicio en Panamá. Este origen del género no muestra al reggaeton como variante del reggae directamente sino del dancehall reggae.
Se comienza a escuchar el reggaeton a principios de los noventa, con canciones de rap en español de fuerte contenido, como Soy de la calle de Vico C. El agrado por el rap dio fruto a éxitos como "La Escuela" de Ruben DJ, y "Gata Sandunguera" de Mey Vidal. La fusión del ritmo reggae, con el rap en español, dio origen a una fusión que ha evolucionado hasta lo que hoy conocemos por reggaeton. Entre las primeras canciones de la fusión podemos destacar "Me levanto los domingos" de Wiso G, que fue flanqueado con exponentes como Big Boy y producciones más viables del propio Vico C. El género reggaeton comenzó acuñando el término "under" en Puerto Rico, ya que debido al fuerte contenido de sus letras y la naturaleza de su lenguaje, era distribuido de manera clandestina entre la juventud. El primer "cassette" que se pudo vender comercialmente fue Playero 37, donde comenzaron cantando Daddy Yankee, O.G. Black, Master Joe, y otros.
Archivo:Don Omar R.jpg
Don Omar, uno de los exponentes del género.
El reggaeton pasó de ser género clandestino, a la única música que se escuchaba en sistemas de audio con gran bajo, dando a su vez un auge en "equipos de música" en todo tipo de autos. La comercialización dio paso a las tiraderas; Dj's enemigos con su bando de cantantes o corillos comenzaran una guerra lírica, donde se fue escalando la enemistad y la rencilla.
Estas rencillas y muchas otras hicieron decaer el reggeaton a finales de los noventa (1997-2000).
Un acuerdo entre todos los bandos de terminar con la tiraera permitió que se destacaran artistas a la misma vez que compilaciones. "Benny Blanco presenta a Daddy Yankee","Don Chezina" salieron al mercado, pero la gente siguió prefiriendo las compilaciones de varios artistas.
Se siguió escuchando el ritmo, ya popular entre la juventud, que llegó a calar en los sentidos rítmicos del resto de América Latina y los Estados Unidos, lo que le ha dado una posición no esperada para un género que en el año 2000 se consideró en penumbra. Este fenómeno internacional se inició con la aparición del dúo Hector y Tito, quienes fueron los primeros reggaetoneros en llenar conciertos y en mostrarle al mundo este pegajoso género con temas tales como Baila Morena, entre otros.
A partir de ese año entró en su momento de apogeo, conociéndose el estilo en múltiples países. El Reggaetón es el género musical escuchado en latinoamerica.
Características
Wisin y Yandel.
El reggaetón es un estilo popular entre los jóvenes de muchos países de América Latina, en especial de los países caribeños, siendo fácil de bailar y provocando movimientos muy sensuales. Las líneas de bajo y un ritmo repetitivo (casi clónico en todas sus canciones) son las características del reggaetón. Tiene una sincronización característica por la cual se guían la mayoría de las canciones, dando una referencia fácil para el baile. El ritmo es una variación de las líneas rítmicas del dancehall reggae jamaiquino, que a mediados de los ochenta fusionaba rítmicas inspiradas en el funk, creando así ritmos fuertes y bailables. El reggaetón se suele asociar a una forma de bailar muy “sensual” y provocativa, con los cuerpos muy pegados, llamada a veces perreo (doggy style).
Las letras del reggaetón se caracterizan por apoyarse en la rima para lograr que la canción sea pegadiza y de fácil identificación para el público. Este estilo de rima está también inspirado en el raggamuffin y dancehall jamaiquino, y en el rap.
El DJ es tan importante, que por lo general al inicio de las canciones, los cantantes nombran al o a los DJ que mezclan la pista de la canción.
Las voces cumplen una función importante, inclusive a veces tomando el rol del género. Sus letras no están muy elaboradas pero cumplen con su función. Los temas de las letras en un origen eran de denuncia social, pero con el paso del tiempo ha ido derivando en un tipo de letras mucho más festivas, abundando sobre todo las que aluden al sexo. En ocasiones este tema es manejado de forma discreta y en otras la letra es sexualmente explícita. El léxico que se emplea está lleno de modismos populares que le dan jocosidad o melancolía según sea el caso. También, algunas de sus letras son calificadas por sus críticos como machistas y simples. Algunas canciones tienen contenido amoroso y sentimental, dándole así un toque romántico al reggaetón. También existe el reggaeton cristiano, el cual lleva un mensaje consciente y de reflexión a un publico tan grande como el de otros tipos de reggaeton.
Otra característica del reggaetón son las voces estridentes, que son distorsionadas con equipos electrónicos, agregando un suave eco que le da más poder a cada palabra pronunciada (tipo dub, por ejemplo).
Críticas
La mayoría de las canciones del género son tachadas de tener un ritmo repetitivo y rimas sin sentido. Sin embargo, la mayoría de las críticas van orientadas hacia las letras, de contenido explícito; unos las tachan de inmorales mientras que otros indican simplemente que tienen un alto contenido violento, sexual y machista.
Diversos estudios aseguran que los sonidos, el vocabulario, la indumentaria, las letras y la actitud de este estilo se basan en el bandolerismo y la delincuencia ; estas acusaciones serían aún más graves que las del acusado sexismo de algunas de sus letras. Este es el motivo de que en algunos países se considere el cese de fomentar este género incluso en las emisoras de radio.
En Puerto Rico, la Comisión Nacional de Espectáculos Públicos y Radiofonía prohibió una canción y un vídeo. En Honduras, se ha presentado un anteproyecto de ley para regular la música con palabras obscenas, en especial el reggaeton. En España, el Instituto Canario de la Mujer se quejó a la cadena de televisión Telecinco por la emisión de vídeos de este género.
musica electronica
Historia
Luigi Russolo trabajando con su asistente Ugo Piatti utilizando el Intonarumori (máquinas de ruidos)
En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Symphonie pour un homme seul (1950), compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.
A finales de la década de 1940, Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total (véase Sistema dodecafónico) como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.
Años sesenta
Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica, en pocos años fue adoptada en la cultura popular.
En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989).
A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor aficionado Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó dicho instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (Música del Espacio Exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations del grupo The Beach Boys grabado en 1966.
La compositora y clavecinista brasileña Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog. El Sintetizador Moog no podía producir acordes, por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron varias horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los aficionados que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores, un principio que luego utilizaría el secuenciador.
En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica.
Rock
Los primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos tecladistas, como Keith Emerson, integrante del grupo Emerson, Lake and Palmer los utilizaban en sus recitales.
Otro instrumento usado en trabajos del género del rock fue el melotrón que fue utilizado en la producción del álbum Strawberry Fields Forever de The Beatles. El pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.
Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la Costa Oeste de EE. UU., Donald Buchla desarrolló sintetizadores que, contrariarmente al sintetizador Moog, carecían de teclado.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más económicos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda la música de estos grupos era electrónica (con la excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan frecuente que a mediados de los setenta, el grupo británico de rock Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía «¡Sin sintetizadores!».
Por el contrario, en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.
Años setenta
Local de Kling Klang, sello privado de Kraftwerk,(considerado el grupo mas importante de la musica electronica)en Düsseldorf
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.
Otro importante músico es el francés Jean-Michel Jarre, cuya formación se marcó con su entrada, en enero de 1969, al Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical), liderado por Pierre Schaeffer (considerado el creador de la música concreta), quien se convertiría como su maestro. Hijo de Maurice Jarre, autor de importantes bandas sonoras cinematográficas, como las de Lawrence de Arabia (1962) o Doctor Zhivago (1965)), nacido en Lyon el año 1948, también estudia en el Conservatorio de París. Experimentador excepcional, en la década de 1970 publicó Oxygene, el álbum que lo hizo globalmente famoso. Siendo su segundo álbum, vendió más de 16 millones de ejemplares en todo el mundo y se convirtió en uno los mayores éxitos de la historia de la música francesa y en un emblema de la música electrónica de la era analógica con cerca de 86 millones de discos vendidos de toda su discografía. Incluso, Jarre fue el primer músico occidental en realizar una gira por la China post-Mao, en conseguir la mayor audiencia en directo en los cinco continentes con 3,5 millones de espectadores, en llevar la música electrónica a la Ópera de París, en subastar una única copia de uno de sus LP, en congregar más de un millón de espectadores en un concierto en la Plaza de la Concordia de París en 1979 y 2,5 millones en La Défense, también en París, en 1990.
Samplers y synth pop
A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los sampleadores (también llamados samplers o muestreadores por su traducción en español). Los primeros sampleadores eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de sampleadores económicos.
Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos.
En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el pionero del uso de los elementos electrónicos.
Años ochenta
Pionero de la música electrónica junto a Kraftwerk y Tangerine Dream, el griego Vangelis acrecentó el interés del público general a comienzos de la década (ya espoleado por el Oxygene de Jarre) con su exitosa banda sonora para Carros de Fuego, que abrió nuevas posibilidades sonoras para la música de cine. Su influencia se hizo aún más palpable al componer la banda sonora de la película Blade Runner. Sin embargo, serían los músicos menos inmersos en el virtuosismo de los setenta quienes obtendrían una mayor difusión durante esta década.
Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Míchigan, EE. UU.) y la house (en Chicago, Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode y Pet Shop Boys, dúo británico de gran influencia musical en la actualidad, quienes generaron nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance europeo.
El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas.
La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más precisos que lo que se puede hacer utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente.
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Madonna, Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.
Música industrial
La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó a un género de música conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.
Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la música concreta y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal.
Otros, como Test Department y Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido para crear composiciones electrónicas. Mientras tanto, otros grupos como Robert Rich, zoviet*france: y rapoon tomaron estos timbres y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos.
Y aun otros grupos (Front 242 y Nitzer Ebb) combinaron esa música con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).
Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en esta área es el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros.
Esto allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.
Jazz electrónico
En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado produciendo música de este tipo. El pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplia gama de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con más énfasis en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.
Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (La naranja mecánica, el filme de Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess).
La banda de sonido de Forbidden Planet (El planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.
Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como Blade Runner y la serie de cintas Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terroríficas que exigían estas producciones.
Años noventa
Durante la revolución informática de los años 90 se extendieron las tarjetas de sonido que, una vez insertadas en los PC permitían la manipulación digital del sonido a bajo coste.
En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países, fueron incorporados elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña o el trance que nació al comienzo de esta década en los clubes de Fráncfort del Meno (Alemania) y también el dub.
A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como los denominados progressive, techno, trance, deep house, lounge y el IDM
En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadores
Luigi Russolo trabajando con su asistente Ugo Piatti utilizando el Intonarumori (máquinas de ruidos)
En Francia, el ingeniero de sonido y compositor Pierre Schaeffer fundó el estudio de Radio Francia (RTF) en París, compuesto por varias grabadoras, micrófonos y equipos para la edición de cintas. Las principales técnicas utilizadas para crear música consistían en cortar, pegar, empalmar o recorrer hacia atrás distintos fragmentos de la cinta grabada. Estas técnicas de manipulación de las cintas dieron lugar a un nuevo tipo de montaje de sonido, elaborado con mucho esfuerzo a partir de las grabaciones provenientes del mundo real. Schaeffer calificó los resultados como música concreta, un término que aún se sigue utilizando ampliamente, sobre todo en Francia. Su primer experimento en este nuevo género utilizaba sonidos de grabaciones de trenes. Todas sus obras de esa época eran breves estudios sobre sonidos y tienen títulos evocadores como la Symphonie pour un homme seul (1950), compuesta en colaboración con su colega (más joven que él) Pierre Henry. Los experimentos prácticos de Schaeffer en la composición de música electrónica se basaban en algunos escritos teóricos sobre el tema que influyeron en él. El estudio de Henry y Schaeffer atrajo a diversos compositores, entre los cuales destacaba Pierre Boulez.
A finales de la década de 1940, Werner Meyer-Eppler, físico y director del Instituto de Fonética de la Universidad de Bonn, presentó por vez primera el Vocoder, un dispositivo que conseguía sintetizar la voz humana. Su trabajo teórico influyó en los compositores relacionados con el estudio de la Radio de Alemania Occidental en Colonia (fundada en 1953), y cuyo interés giraba en torno a la síntesis electrónica de los sonidos mediante generadores de sonido y otros aparatos. El primer director del estudio de Colonia, Herbert Eimert, ejerció una gran influencia por su forma de utilizar el serialismo total (véase Sistema dodecafónico) como base para la construcción de obras electrónicas. Según este método, todos los aspectos de la música, incluidos el tono, el ritmo y el volumen relativo, quedaban bajo el control de unos principios definidos numéricamente. Los sonidos y aparatos electrónicos brindaban la precisión y el control necesarios para la realización de este concepto. Compositores como Bruno Maderna y Karlheinz Stockhausen elaboraron piezas electrónicas cortas, llamadas síntesis aditiva (véase la sección de síntesis del sonido más adelante). Estas obras se componían enteramente a partir de sonidos electrónicos.
Años sesenta
Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica, en pocos años fue adoptada en la cultura popular.
En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989).
A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor aficionado Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó dicho instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (Música del Espacio Exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations del grupo The Beach Boys grabado en 1966.
La compositora y clavecinista brasileña Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog. El Sintetizador Moog no podía producir acordes, por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron varias horas de grabación en estudio.
Se conoce la anécdota de que los aficionados que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores, un principio que luego utilizaría el secuenciador.
En 1966 Pierre Schaeffer fundó el Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical) para el estudio y la investigación de la música electrónica.
Rock
Los primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos tecladistas, como Keith Emerson, integrante del grupo Emerson, Lake and Palmer los utilizaban en sus recitales.
Otro instrumento usado en trabajos del género del rock fue el melotrón que fue utilizado en la producción del álbum Strawberry Fields Forever de The Beatles. El pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.
Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la Costa Oeste de EE. UU., Donald Buchla desarrolló sintetizadores que, contrariarmente al sintetizador Moog, carecían de teclado.
A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más económicos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda la música de estos grupos era electrónica (con la excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan frecuente que a mediados de los setenta, el grupo británico de rock Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía «¡Sin sintetizadores!».
Por el contrario, en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.
Años setenta
Local de Kling Klang, sello privado de Kraftwerk,(considerado el grupo mas importante de la musica electronica)en Düsseldorf
La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.
En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.
La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.
Otro importante músico es el francés Jean-Michel Jarre, cuya formación se marcó con su entrada, en enero de 1969, al Groupe de Recherches Musicales (Grupo de Investigación Musical), liderado por Pierre Schaeffer (considerado el creador de la música concreta), quien se convertiría como su maestro. Hijo de Maurice Jarre, autor de importantes bandas sonoras cinematográficas, como las de Lawrence de Arabia (1962) o Doctor Zhivago (1965)), nacido en Lyon el año 1948, también estudia en el Conservatorio de París. Experimentador excepcional, en la década de 1970 publicó Oxygene, el álbum que lo hizo globalmente famoso. Siendo su segundo álbum, vendió más de 16 millones de ejemplares en todo el mundo y se convirtió en uno los mayores éxitos de la historia de la música francesa y en un emblema de la música electrónica de la era analógica con cerca de 86 millones de discos vendidos de toda su discografía. Incluso, Jarre fue el primer músico occidental en realizar una gira por la China post-Mao, en conseguir la mayor audiencia en directo en los cinco continentes con 3,5 millones de espectadores, en llevar la música electrónica a la Ópera de París, en subastar una única copia de uno de sus LP, en congregar más de un millón de espectadores en un concierto en la Plaza de la Concordia de París en 1979 y 2,5 millones en La Défense, también en París, en 1990.
Samplers y synth pop
A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los sampleadores (también llamados samplers o muestreadores por su traducción en español). Los primeros sampleadores eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de sampleadores económicos.
Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos.
En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el pionero del uso de los elementos electrónicos.
Años ochenta
Pionero de la música electrónica junto a Kraftwerk y Tangerine Dream, el griego Vangelis acrecentó el interés del público general a comienzos de la década (ya espoleado por el Oxygene de Jarre) con su exitosa banda sonora para Carros de Fuego, que abrió nuevas posibilidades sonoras para la música de cine. Su influencia se hizo aún más palpable al componer la banda sonora de la película Blade Runner. Sin embargo, serían los músicos menos inmersos en el virtuosismo de los setenta quienes obtendrían una mayor difusión durante esta década.
Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Míchigan, EE. UU.) y la house (en Chicago, Illinois).
La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode y Pet Shop Boys, dúo británico de gran influencia musical en la actualidad, quienes generaron nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance europeo.
El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas.
La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más precisos que lo que se puede hacer utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente.
La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Madonna, Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.
Música industrial
La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó a un género de música conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.
Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM y Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la música concreta y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal.
Otros, como Test Department y Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido para crear composiciones electrónicas. Mientras tanto, otros grupos como Robert Rich, zoviet*france: y rapoon tomaron estos timbres y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos.
Y aun otros grupos (Front 242 y Nitzer Ebb) combinaron esa música con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).
Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en esta área es el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros.
Esto allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.
Jazz electrónico
En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado produciendo música de este tipo. El pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplia gama de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con más énfasis en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.
Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (La naranja mecánica, el filme de Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess).
La banda de sonido de Forbidden Planet (El planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.
Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como Blade Runner y la serie de cintas Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terroríficas que exigían estas producciones.
Años noventa
Durante la revolución informática de los años 90 se extendieron las tarjetas de sonido que, una vez insertadas en los PC permitían la manipulación digital del sonido a bajo coste.
En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países, fueron incorporados elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña o el trance que nació al comienzo de esta década en los clubes de Fráncfort del Meno (Alemania) y también el dub.
A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como los denominados progressive, techno, trance, deep house, lounge y el IDM
En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadores
R.K.M & Ken-Y (rakim quen way)
R.K.M & Ken-Y
José Nieves (R.K.M) (pronúnciese Rakim) y Kenny Vázquez (Ken-Y) (pronunciado Ken-Way) es un dúo puertorriqueño de reggaeton.
Se han convertido en uno de los dúos más importantes de reggaeton, con sus álbumes Masterpiece, del cual se ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo, para diciembre de ese mismo año lanzaron su primer CD/DVD Masterpiece: World Tour la cual vendió 1,5 millones de copias en todo el mundo (en Estados Unidos vendió 500.000) y su anteúltimo álbum The Commemorative Edition que hasta el momento ha vendido alrededor de 5 millones de copias en todo el mundo. Según la unidad carta del año, con sus álbumes ya han alcanzado vender más de 17 millones de copias mundialmente. A principios de septiembre lanzaron su nuevo álbum, The Royalty, después de durar un año sin hacer un álbum.
Se denominan como el dúo romántico más importante del género. Esto es por su importante forma de interpretar el amor y el sentimiento en sus canciones. Su estilo de RKM proporciona rapear versos para muchas canciones, mientras que Ken-Y proporciona la letra vocal. RKM tiende a tener rápido, optimista versos mientras Ken-Y canta muchos anzuelos.
Biografía
R.K.M.: José Jaime Andres Nieves. Primo de Luis Fonsi nació en el 1982. Su primer trabajo de RKM fue en construcción.
Ken-Y: Kenny Vázquez nació en Guarabo, Puerto Rico el 7 de septiembre de 1984. Sus padres son Vilma Felix (cantante de música cristiana) y Elías Vázquez.
Desde muy temprano toca el piano y la guitarra, también escribe sus canciones.
La humildad de este dúo los diferencia porque nunca han negado sus raíces, R.K.M. y Ken-Y, son dos destacados jóvenes puertorriqueños que se iniciaron en el mundo de la música por separado asistiendo a fiestas de amigos, donde dieron a conocer sus habilidades y talentos desde los doce años. Años más tarde decidieron unir sus talentos para traer una nueva alternativa en el género del reggaeton.
En el 2002 se dieron a conocer participando junto a Q-Mack. Posteriormente, tuvieron la oportunidad de participar junto a artistas de la categoría de Nicky Jam, Lito y Polaco, Zion y Lennox. Sus presentaciones llamaron la atención del empresario Raphy Pina, presidente de Pina Records, quien los contrató para formar parte de su cartel de artistas.
Durante toda su carrera Ken-Y escribia las canciones ademas de los distintos compositores pero desde el tema suelto Mis Dias Sin Ti (Ft. Daddy Yankee & Findy) R.K.M. empezo a escribir junto con Ken-Y.
Polémica
Al poco tiempo del lanzamiento de su álbum Masterpiece refiriéndose a la manera de cantar de los dos que se asemejaban a Zion y Lennox haciéndose una comparación así (Ken-Y, Zion) y (Rakim, Lennox).
Rakim tuvo que cambiar su nombre artístico a R.K.M., debido a que este era igual al del rapero estadounidense Rakim.
También ocurrió un problema con el dúo musical ERRE XI por un tema que R.K.M y Ken-Y interpretaron en su disco The Royalty llamado "Te amaré" era igual al del otro dúo llamado "Lloraré", ya que la única diferencia era el coro. Pero al final se supo que Wise, el compositor de los 2 temas, vendió el tema a Pina Records (de R.K.M y Ken-Y).
Discografía
2006 Masterpiece
2006 Masterpiece World Tour
2006 Masterpiece Sold Out
2007 Masterpiece Commemorative Edition
2008 The Royalty: La Realeza
2009 Romantico 360° Live From Puerto Rico
2009 The Royalty: Special Edition
Colaboraciones y temas inéditos
RKM & Ken-Y, desde sus comienzos, han hecho presencia en varias producciones discográficas, en los cuales colaboran aportando sus dotes de artistas de reggaetón, sin dejar de lado sus aficiones románticas y sentimentales.
2004: Vida Escante: "Pasado""
2004: Vida Escante: "Me Estoy Muriendo""
2004: Vida Escante: "Pasado "(Oficial remix) [Rkm & Ken-Y only](Ft Nicky Jam & Zion) "
2004: Los Bandoleros: "Si La Ves" (Ft. Don Omar)"
2005: Buddha's Family 2 Desde La Prisión: "Hoy Te Vi""
2005: El Draft 2005: "Tú No Estás""
2005: Fuera De Serie Live: "Ando Solo" [Ken-Y only](Ft. Polaco)"
2005: Pina All Stars 2: "Nena""
2005: Ground Zero: "Baílalo"
2006: Urban Express: Down (Remix) (Ft Melissa Lujan)
2006: Rompecuellos: "La Noche Más Triste" [Ken-Y only] (Ft. Lito MC Cassidy)"
2006: Gargolas: The Next Generation: "Un Sueño""
2006: Toby Love: "Tengo Un Amor (Remix)"'(Ft. Toby Love)"
2006: Chosen Few II: El Documental: "Quiero Conocerte""
2006: Lloraras:(Bachata Remix
2006: The Bad Boy: "Te Vas" [Ken-Y only] (Ft. Hector "El Father")"
2006:Masterpiece (El concierto): Si tu quisieras (Ft. Luis Fonsi)
2007: Millennium: "Ella Me Hechiza""
2007: The Hitmakers: Quiero Conocerte Remix (Ft. Fainal & Shako)
2007: Los Vaqueros Wild Wild Mixes: "Quizás (Remix)" [Ken-Y only] (Ft. Tony Dize)"
2007: Ivy Queen: "En Que Fallamos (Remix)" [Ken-Y only] (Ft. Ivy Queen)"
2007: It's My Time: "Fans" (Ft. Tito "El Bambino")"
2007: Premonición: ¿Quién Me Iba A Decir? (Ft. David Bisbal)"
2007: La Nueva Escuela: "Si Ya No Estás" (Ft. N'Klabe)"
2007: La Profecia De La Musica: Yo Te Motive Remix (Ft. Orlys El Titerete)
2007: Los 4 Fantasticos: "La Amas Como Yo" [Ken-Y only] (Ft. Karis)"
2007: Señor Bachata: "Mar y Cielo" (Ft. José Feliciano)"
2007: The Black Carpet: "Gas Pela" [RKM Only] (Ft. Nicky Jam)"
2007: The Black Carpet: "Ton Ton Ton" (Ft. Nicky Jam)"
2007: The Black Carpet: "Quédate Con Él" [Ken-Y only] (Ft. Nicky Jam & Cruzito)"
2008: The Black Carpet: "Gas Pela (Remix)" [RKM only] (Ft. Nicky Jam & Erick Right)"
2008: Ana Isabelle: "Quien Dijo Amigos" (Ft. Ana Isabelle)"
2008:"Los 4 fantasticos:¿La amas como yo? (Version Bachata) (only Ken-Y) (Ft. Karis)"
2008: Quiero Conocerte (Ft. T-Bone)
2008: Quiero Conocerte (Ft. Yailem & Lionnex)
2009: Chosen Few Remix Clasicos: "Quiero Conocerte" (Ft. Fuego)
2009: "Te Regalo Amores (Remix)" (Ft. Rubby Perez)"
2009: "Te Amo (Remix)" (Ft. Makano)
2009:Te amo:"Te Amo (Remix)" (Ft. R.K.M & ken-Y and MJ)" (Makano)
2009: "El Perdedor (Remix)" [Ken-Y] (Ft. Aventura)
2009: "Nena Ven Conmigo (Remix)" (Ft. Cosculluela)"
2009: Supremo : "Se apago la llama" (Ft. Chino & Nacho)"
2009: "Te Regalo Amores Live Remix" (Ft. Elvis Crespo)
2009: Simplemente El Torito : "Tu Primera Vez" (Ft. Hector Acosta)"
2009:Lloraras (New version) Only Ken-Y
2009:Live From Puerto Rico: A Ellos Les Gusta Lo Mio (Ft. Omega)
2009: The Black Mixtape : "No Hay Nadie Mas" [RKM only] (Ft. Nicky Jam)"
2009: "El Culpable Soy Yo (Remix)" (Ft. Cristian Castro)"
2009: "La Melodia De La Calle Updated : (Ken-Y) "One In A Million" (Ft. Cruzito)
2009: "La Melodia De La Calle Updated: (Ken-Y) "Mi Amor Es Pobre" (Ft. Tony Dize & Arcangel
José Nieves (R.K.M) (pronúnciese Rakim) y Kenny Vázquez (Ken-Y) (pronunciado Ken-Way) es un dúo puertorriqueño de reggaeton.
Se han convertido en uno de los dúos más importantes de reggaeton, con sus álbumes Masterpiece, del cual se ha vendido más de 10 millones de copias en todo el mundo, para diciembre de ese mismo año lanzaron su primer CD/DVD Masterpiece: World Tour la cual vendió 1,5 millones de copias en todo el mundo (en Estados Unidos vendió 500.000) y su anteúltimo álbum The Commemorative Edition que hasta el momento ha vendido alrededor de 5 millones de copias en todo el mundo. Según la unidad carta del año, con sus álbumes ya han alcanzado vender más de 17 millones de copias mundialmente. A principios de septiembre lanzaron su nuevo álbum, The Royalty, después de durar un año sin hacer un álbum.
Se denominan como el dúo romántico más importante del género. Esto es por su importante forma de interpretar el amor y el sentimiento en sus canciones. Su estilo de RKM proporciona rapear versos para muchas canciones, mientras que Ken-Y proporciona la letra vocal. RKM tiende a tener rápido, optimista versos mientras Ken-Y canta muchos anzuelos.
Biografía
R.K.M.: José Jaime Andres Nieves. Primo de Luis Fonsi nació en el 1982. Su primer trabajo de RKM fue en construcción.
Ken-Y: Kenny Vázquez nació en Guarabo, Puerto Rico el 7 de septiembre de 1984. Sus padres son Vilma Felix (cantante de música cristiana) y Elías Vázquez.
Desde muy temprano toca el piano y la guitarra, también escribe sus canciones.
La humildad de este dúo los diferencia porque nunca han negado sus raíces, R.K.M. y Ken-Y, son dos destacados jóvenes puertorriqueños que se iniciaron en el mundo de la música por separado asistiendo a fiestas de amigos, donde dieron a conocer sus habilidades y talentos desde los doce años. Años más tarde decidieron unir sus talentos para traer una nueva alternativa en el género del reggaeton.
En el 2002 se dieron a conocer participando junto a Q-Mack. Posteriormente, tuvieron la oportunidad de participar junto a artistas de la categoría de Nicky Jam, Lito y Polaco, Zion y Lennox. Sus presentaciones llamaron la atención del empresario Raphy Pina, presidente de Pina Records, quien los contrató para formar parte de su cartel de artistas.
Durante toda su carrera Ken-Y escribia las canciones ademas de los distintos compositores pero desde el tema suelto Mis Dias Sin Ti (Ft. Daddy Yankee & Findy) R.K.M. empezo a escribir junto con Ken-Y.
Polémica
Al poco tiempo del lanzamiento de su álbum Masterpiece refiriéndose a la manera de cantar de los dos que se asemejaban a Zion y Lennox haciéndose una comparación así (Ken-Y, Zion) y (Rakim, Lennox).
Rakim tuvo que cambiar su nombre artístico a R.K.M., debido a que este era igual al del rapero estadounidense Rakim.
También ocurrió un problema con el dúo musical ERRE XI por un tema que R.K.M y Ken-Y interpretaron en su disco The Royalty llamado "Te amaré" era igual al del otro dúo llamado "Lloraré", ya que la única diferencia era el coro. Pero al final se supo que Wise, el compositor de los 2 temas, vendió el tema a Pina Records (de R.K.M y Ken-Y).
Discografía
2006 Masterpiece
2006 Masterpiece World Tour
2006 Masterpiece Sold Out
2007 Masterpiece Commemorative Edition
2008 The Royalty: La Realeza
2009 Romantico 360° Live From Puerto Rico
2009 The Royalty: Special Edition
Colaboraciones y temas inéditos
RKM & Ken-Y, desde sus comienzos, han hecho presencia en varias producciones discográficas, en los cuales colaboran aportando sus dotes de artistas de reggaetón, sin dejar de lado sus aficiones románticas y sentimentales.
2004: Vida Escante: "Pasado""
2004: Vida Escante: "Me Estoy Muriendo""
2004: Vida Escante: "Pasado "(Oficial remix) [Rkm & Ken-Y only](Ft Nicky Jam & Zion) "
2004: Los Bandoleros: "Si La Ves" (Ft. Don Omar)"
2005: Buddha's Family 2 Desde La Prisión: "Hoy Te Vi""
2005: El Draft 2005: "Tú No Estás""
2005: Fuera De Serie Live: "Ando Solo" [Ken-Y only](Ft. Polaco)"
2005: Pina All Stars 2: "Nena""
2005: Ground Zero: "Baílalo"
2006: Urban Express: Down (Remix) (Ft Melissa Lujan)
2006: Rompecuellos: "La Noche Más Triste" [Ken-Y only] (Ft. Lito MC Cassidy)"
2006: Gargolas: The Next Generation: "Un Sueño""
2006: Toby Love: "Tengo Un Amor (Remix)"'(Ft. Toby Love)"
2006: Chosen Few II: El Documental: "Quiero Conocerte""
2006: Lloraras:(Bachata Remix
2006: The Bad Boy: "Te Vas" [Ken-Y only] (Ft. Hector "El Father")"
2006:Masterpiece (El concierto): Si tu quisieras (Ft. Luis Fonsi)
2007: Millennium: "Ella Me Hechiza""
2007: The Hitmakers: Quiero Conocerte Remix (Ft. Fainal & Shako)
2007: Los Vaqueros Wild Wild Mixes: "Quizás (Remix)" [Ken-Y only] (Ft. Tony Dize)"
2007: Ivy Queen: "En Que Fallamos (Remix)" [Ken-Y only] (Ft. Ivy Queen)"
2007: It's My Time: "Fans" (Ft. Tito "El Bambino")"
2007: Premonición: ¿Quién Me Iba A Decir? (Ft. David Bisbal)"
2007: La Nueva Escuela: "Si Ya No Estás" (Ft. N'Klabe)"
2007: La Profecia De La Musica: Yo Te Motive Remix (Ft. Orlys El Titerete)
2007: Los 4 Fantasticos: "La Amas Como Yo" [Ken-Y only] (Ft. Karis)"
2007: Señor Bachata: "Mar y Cielo" (Ft. José Feliciano)"
2007: The Black Carpet: "Gas Pela" [RKM Only] (Ft. Nicky Jam)"
2007: The Black Carpet: "Ton Ton Ton" (Ft. Nicky Jam)"
2007: The Black Carpet: "Quédate Con Él" [Ken-Y only] (Ft. Nicky Jam & Cruzito)"
2008: The Black Carpet: "Gas Pela (Remix)" [RKM only] (Ft. Nicky Jam & Erick Right)"
2008: Ana Isabelle: "Quien Dijo Amigos" (Ft. Ana Isabelle)"
2008:"Los 4 fantasticos:¿La amas como yo? (Version Bachata) (only Ken-Y) (Ft. Karis)"
2008: Quiero Conocerte (Ft. T-Bone)
2008: Quiero Conocerte (Ft. Yailem & Lionnex)
2009: Chosen Few Remix Clasicos: "Quiero Conocerte" (Ft. Fuego)
2009: "Te Regalo Amores (Remix)" (Ft. Rubby Perez)"
2009: "Te Amo (Remix)" (Ft. Makano)
2009:Te amo:"Te Amo (Remix)" (Ft. R.K.M & ken-Y and MJ)" (Makano)
2009: "El Perdedor (Remix)" [Ken-Y] (Ft. Aventura)
2009: "Nena Ven Conmigo (Remix)" (Ft. Cosculluela)"
2009: Supremo : "Se apago la llama" (Ft. Chino & Nacho)"
2009: "Te Regalo Amores Live Remix" (Ft. Elvis Crespo)
2009: Simplemente El Torito : "Tu Primera Vez" (Ft. Hector Acosta)"
2009:Lloraras (New version) Only Ken-Y
2009:Live From Puerto Rico: A Ellos Les Gusta Lo Mio (Ft. Omega)
2009: The Black Mixtape : "No Hay Nadie Mas" [RKM only] (Ft. Nicky Jam)"
2009: "El Culpable Soy Yo (Remix)" (Ft. Cristian Castro)"
2009: "La Melodia De La Calle Updated : (Ken-Y) "One In A Million" (Ft. Cruzito)
2009: "La Melodia De La Calle Updated: (Ken-Y) "Mi Amor Es Pobre" (Ft. Tony Dize & Arcangel
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