sábado, 31 de octubre de 2009


wisin y yandel

Historia
Juan Luis Morera (Wisin) (19 de diciembre de 1978) y Llandel Veguilla (Yandel) (14 de enero de 1977) son dos cantantes de Reggaeton, de Cayey, Puerto Rico. Se los sitúa entre los representantes más destacados del Reggaeton, un subgénero musical bailable perteneciente a la Música Urbana, que desciende del hip hop. Comenzó a hacerse popular solo por los contactos que tenían estos hip-hoperos a finales de la década de 1990.Aunque se ha demostrado que ambos mantienen una relacion sentimental.

Discografia
Álbums de estudio
2000:
Los Reyes del Nuevo Milenio
2001:
De Nuevos a Viejos
2002:
De Otra Manera
2003:
Mi Vida... My Life
2005:
Pa'l Mundo
2007:
Wisin vs. Yandel: Los Extraterrestres
2009:
La Revolución
2009:
La Evolucion Noviembre 24
Álbums con WY Records
2006:
Los Vaqueros
2007:
Los Vaqueros Wild Wild Mixes
2008:
Wisin & Yandel Presentan: La Mente Maestra
2010:
Los Vaqueros 2: El Regreso
Álbums compilación
2006:
Pa'l Mundo: First Class Delivery
2007:
2010 Lost Edition
2009:
El Dúo De La Historia Volume I"
Álbums en Vivo
2007:
Tomando Control: Live
Álbums Edición Especial
2006:
Pa'l Mundo: Deluxe Edition
2006:
Los Vaqueros Collector´s Edition
2008:
Wisin vs. Yandel: Los Extraterrestres Otra Dimensión
Álbumes en solitario
2004:
El Sobreviviente Wisin'
2004:
¿Quién Contra Mí? Yandel


Premios
Las categorías en la que Wisin & Yandel están nominados para los premios Lo Nuestro son: “Mejor artista del año”, “Mejor Album” por Pa’l Mundo y “Mejor Canción” por su tema Llame pa’ verte.
Wisin & Yandel, galardonados con 2 Premios Lo Nuestro
Los artistas puertorriqueños Wisin & Yandel recibieron dos Premios Lo Nuestro a la Música Latina, como “Artista del Año” y “Canción del Año” con la canción “Llamé pa’ Verte” en la categoría Urbana en un espectacular evento transmitido en vivo por la cadena de televisión Univisión a través de todo Estados Unidos y Puerto Rico.
Wisin & Yandel fueron nominados este año por primera vez por su disco Pa’l Mundo, que ha sobrepasado récord de venta en el género de reggaetón y alcanzando la privilegiada posición Número 1 en el Billboard Top Latin Álbum en varias ocasiones. El Dúo también logró la histórica hazaña al mantener 14 éxitos en estas prestigiosas listas durante el 2006.
De hecho, esta semana mantienen tres canciones entre los top 25 con “Pam Pam” en la posición # 6, “Pegao” en la # 14 y “My Space” en la # 25 y ambos álbumes Pa’l Mundo y Los Vaqueros están entre los Top 20, ocupando las posiciones #16 y # 15 respectivamente. El álbum Pa’l Mundo lleva 67 semanas en las prestigiosas listas y Los Vaqueros 17 semanas.
“Este premio se lo dedicamos a nuestros fans que siempre nos han apoyado. Nuestro más sincero agradecimiento primero a Dios y luego a ellos por esta muestra irrefutable de cariño. Estos galardones nos llenan de mucha satisfacción y orgullo sabiendo que con nuestra música continuamos estrechando lazos culturales entre todas las naciones del mundo y en especial de este hemisferio”, expresaron efusivamente los intérpretes de “Pam Pam” y “Llamé pa’ Verte”.
El American Airlines Arena se contagió con la euforia que provocó el anuncio de los premiados durante su participación en Premios Lo Nuestro ante miles de fanáticos, ejecutivos de la industria y artistas de renombre internacional que lo ovacionaron de pie al ritmo del reggaetón.
El “Dúo de la Historia” también recibió recientemente 5 nominaciones a los Premios Billboard de la Música Latina 2007 en las siguientes categorías: Canción del Año en Dúo (Hot Latin Song of the Year, Vocal Duet) con “Noche de Sexo” featuring Aventura; Artista del Año (Hot Latin Song Artist of the Year); Canción Reggaetón del Año (Reggaetón Song of the Year) con “Pam Pam”; Latin Ringtone del Año con “Rákata” y Compilación del Año por Los Vaqueros. Los premios se llevarán acabo el próximo 26 de abril en la ciudad de Miami.
Al concluir su participación en los Premios Lo Nuestro el Dúo viajará a Colombia para cumplir con compromisos contractuales en las ciudades de Bogotá, Cali y Armenia. Una vez concluidas estas presentaciones regresarán a la Isla para enfocarse totalmente en los conciertos que realizarán en el Coliseo de José Miguel Agrelot este próximo 16 y 17 de marzo.
Premios Grammy Latino
En medio de la promoción de su disco “Wisin y Yandel presentan la Mente Maestra”, el dúo Wisin & Yandel reveló, durante una conferencia de prensa que no asistirán a los premios Grammy Latino por sentir que no se les ha tratado como merecen.
Wisin, que junto con su compañero musical este año está nominado al Grammy Latino por su disco “Los Extraterrestres: Otra dimensión”, indicó “con mucha honestidad y respeto” que debieron ser más las categorías para competir al sentir que su álbum se realizó con mucho empeño.
“Entendemos que el trato que nos han dado no es el correcto. Respeto a los premios pero no voy a asistir. No tengo que asistir a un sitio o a unos premios que yo no sienta que me han tratado con el respeto que me merezco”, sostuvo Juan Luis Morera, su nombre de pila.
Agrega que “el año pasado con mucho orgullo lo ganó Calle 13, y qué bueno. Ese año yo y Yandel en vez de decir algo negativo de él (René Pérez) lo que decidimos fue trabajar más fuerte para que la gente entendiera que nos lo merecíamos, mano, por el trabajo”.
“Entonces una sola nominación con un disco como el de ‘Los extraterrestres’, que ha marcado la diferencia en la música urbana, me sentí un poco triste y dije ‘no voy’. Y chévere, y que gane el mejor”, acotó el vocalista que arribó a la rueda de prensa acompañado de su hija Yelena, de un año y dos meses.
Yandel, por su parte, señaló que “los respetamos mucho, pero creo que no era negocio para nosotros el estar allí y hacer una presentación que cuesta mucho dinero y comprarnos ropa, que es otra inversión”. Esas fueron las palabras de Yandel ante la prensa.
Premios Lo Nuestro 2009

El duo de reggaetoneros Wisin & Yandel fueron nominados recientemente en Premios Lo Nuestro 2009 en tres categorías diferentes, con cuatro nominaciones, siendo los más nominados en el género urbano.
Las categorías para las cuales han sido nominados Wisin & Yandel son:
Artista del Año
Canción del Año por Me estas tentando.
Disco del Año por Los Extraterrestres.
Mejor video por Me estas tentando. es muy cierto
MTV Video Music Awards 09
Wisin y Yandel son los únicos artistas latinos en ser nominados a los MTV VMA's con su nuevo sencillo Abusadora del álbum La Revolución, estos premios se entregaron el 13 de septiembre de 2009, ganando en las categorias video del año (abusadora)y artista del año.

jueves, 15 de octubre de 2009

la nueva banda

Historia
Los integrantes de la nueva banda Timbiriche fueron seleccionados de entre 30 participantes de "Buscando a Timbiriche: La Nueva Banda", reality show que se llevó a cabo para conmemorar los 25 años de éxitos de la agrupación Timbiriche.
Fueron 15 conciertos en los que las jóvenes promesas mostraban semana a semana su talento y el esfuerzo que ponían para lograr quedarse y ocupar un lugar en la agrupación. La primera integrante de la banda fue Brissia, quien obtuvo el voto de calidad de los tres bandos; el público, los creadores y el consejo Timbiriche. A la semana siguiente, otra mujer se apoderó del segundo puesto, Fernanda Arozqueta fue quien obtuvo más primeros lugares, seguida después del primer hombre Alberto Dogre y luego Gaby Sánchez, que obtuvo en un concierto la calificación perfecta en las dos rondas. Los siguientes integrantes se eligieron el día de la final, primero Eduardo Brito y después
Tayde Rodríguez.
Sin embargo la espectativa del público estaba puesta en el participante más controversial y querido del reality, quien era Yurem Rojas, quien a pesar de que los jurados opinaban que no tenia oportunidad alguna porque no tenia la mejor voz, fue elegido como el séptimo integrante de la banda por los Timbiriches originales bajo el argumento de que todo grupo necesita cierta "magia" especial, misma que ellos veían reflejada en Yurem y su carisma, dándole un giro a la final del programa y una gran sorpresa a la gente que lo salvó de las eliminatorias 7 veces consecutivas.
El 25 de Octubre del 2007, se estrena el sencillo "Tú, Tú, Tú", cuyas voces principales son las de Brissia (ex-integrante) y Lalo. Después de la salida de Brissia, Gaby canta su parte.
El 25 de Noviembre del 2007 salió a la venta su álbum homónimo debut, "La Nueva Banda Timbiriche", debutando en el #8 en la tienda Mixup, y en el #49 en las listas nacionales
Amprofon. Después, el disco subió al #10 y al #18 respectivamente.
El 11 de Diciembre del 2007 se estrena en Telehit el video de "Tú, Tú, Tú", mismo que se hace triunfador en varios canales de música, incluyendo el Top Ten de Tv Azteca. El disco alcanzó la certificación de "Disco de Oro" por más de 50,000 copias vendidas.
El 17 de Enero del 2008, anuncian que sólo serán "La Nueva Banda" : "Obviamente tenían ese nombre por el programa (Buscando a la Nueva Banda Timbiriche) , ahorita va a ser nada más La Nueva Banda. Todos sabemos que nadie viene a ocupar el lugar de nadie, nos queda claro que si tratáramos o pretendiéramos ser el nuevo Timbiriche, pues nos estaríamos aventando 25 años de generaciones arriba, es muy difícil luchar contra un concepto. Estamos tratando de ganar nuestro propio espacio, un lugar como La Nueva Banda", añadió Federica,
mánager del grupo.
La Nueva Banda se ha estado presentando en varios eventos en toda la República Mexicana y tuvieron la gran oportunidad de abrirle los conciertos al grupo exitoso,
RBD.
Gaby fue elejida para interpretar el tema de la telenovela
Cuidado con el ángel. El tema se llama "Sólo Tú" y la voz principal es Gaby.
El 31 de Mayo del 2009, La Nueva Banda se presentó por última vez en la Plaza de la Independencia de Nuevo Laredo, Tamaulipas, lugar donde anunciaron lo que muchos de sus seguidores ya esperaban: su separación. Esto debido a falta de apoyo de la disquera y que los integrantes ya se encontraban en proyectos por separado.

domingo, 11 de octubre de 2009

Ópera

Opera» redirige aquí. Para otras acepciones, véase Opera (desambiguación).
La voz ópera (del italiano opera, "obra musical") designa, desde aproximadamente el año 1350, un género de música teatral en el que una acción escénica es, armonizada cantada y tiene acompañamiento instrumental, donde los actores utilizan estilos poco comunes al cantar.
Las presentaciones son ofrecidas típicamente en
teatros de ópera, acompañados por una orquesta o una agrupación musical menor.
La ópera forma parte de la tradición de la
música clásica europea u occidental.

Descripción
La ópera tradicional se basa en distintas modalidades de canto:
recitativo, arioso y aria. También se cantan dúos, tríos, cuartetos... Todas éstas, en ocasiones, pueden aparecer combinadas con coro. A partir de mediados del siglo XIX, estas formas comienzan a abandonarse, y surgen formas cada vez más libres.
A diferencia del
oratorio, la ópera es una obra destinada a ser representada. Varios géneros de teatro musical están estrechamente relacionados con la ópera, como son la zarzuela española, el Singspiel alemán, la Opereta vienesa, la Opéra-comique francesa y el Musical inglés y estadounidense. Cada una de estas variantes del teatro musical tiene sus características propias, sin que tales les sean privativas y, en no pocas ocasiones, provocando que las fronteras entre tales géneros no sean claras. En la ópera, como en varios otros géneros del teatro musical, se une
la música (orquesta, solistas, coro y director);
la poesía (por medio del
libreto);
las artes escénicas, en especial la actuación, el ballet y la danza
las artes escenográficas (pintura, artes plásticas, decoración, arquitectura)
la iluminación y otros efectos escénicos
el maquillaje y los vestuarios.
La ópera se suele diferenciar de los otros géneros de teatro musical aceptándose que, a diferencia de ellos, la ópera es una representación completamente acompañada por música. La historia del género demuestra que tal afirmación no es correcta. Si bien la ópera se diferencia del teatro recitado por la extraordinaria participación de la música en su constitución, ya desde el barroco se conocían formas limítrofes como la
Mascarada, la Ópera de baladas, la Zarzuela y el Singspiel que se confunden en no pocos casos con la ópera. Así, los Singspiele de Wolfgang Amadeus Mozart se consideran óperas al igual que las zarzuelas de José de Nebra, mientras que Die Dreigroschenoper (la Ópera de los tres centavos) de Kurt Weill está, en realidad, mucho más próxima al teatro recitado que a la ópera. Finalmente, hay otros géneros próximos a la ópera como lo son las ópera-ballet del barroco francés y algunas obras neoclasicistas del siglo XX como, por ejemplo, algunas obras de Igor Stravinsky. No obstante, en estas obras la parte principal expresiva recae en la danza mientras que el canto es relegado a un papel secundario. Al respecto de la diferencia entre la ópera y la Zarzuela, la Opereta, el Singspiel y el Musical inglés y estadounidense, la delimitación nace de una diferencia formal. Estos géneros se caracterizan por estar estructurados en números musicales cerrados que van intercalados en una representación recitada, mientras que la ópera, se acepta, es dominada por la música y la cantidad de texto recitado es menor o nulo, y tiene acompañamiento musical.
Las diferentes subclasificaciones de la ópera nacen, tanto por cambios en la concepción del libreto y, por consecuencia, en los cambios de función de la música escrita para tal libreto. De tal modo, es posible establecer diferentes subgéneros de ópera que se clasifican, desde el punto de vista de la función del libreto, desde el
dramma per musica hasta la ópera literaria, y, con respecto a la función de la musica, desde la ópera de números musicales hasta la ópera de música continua. En la historia de la ópera es recurrente que los cambios en la función del libreto determinan, luego, los cambios de la función de la música dentro del género.

Géneros de ópera
Los diferentes géneros de ópera existentes son resultado de diferentes tipos de libretos y resoluciones musicales diversas dadas a las proposiciones libretísticas según la época, el tema de la obra y la intención de los poetas y compositores correspondientes. No obstante puede establecerse, de modo muy general, un desarrollo que va desde un inicio muy poco sistematizado, pasando por la ópera de números musicales y diferentes formas mixtas hasta la ópera de flujo melódico constante y la ópera literaria.

El Dramma per musica
Termino usualmente utilizado para denominar a la opera italiana seria del siglo XX al XXI. Fue una moderna y renovadora forma de teatro que presentaba una uniforme y artistica promulgacion dramatica de historias humanas expresadas por la voz y acompañada por una orquesta.
La ópera literaria

La ópera de números musicales
Desde el Barroco hasta el Romanticismo, la ópera se caracteriza por ser una concatenación de números musicales diferentes, completos en sí y unidos entre sí por recitativos. Las obras donde los números musicales están divididos entre sí por diálogos recitados sin acompañamiento de ninguna especie se han clasificado, a partir del idioma original del libreto en diversos subgéneros. Históricamente, el primero en surgir fue la zarzuela en España y casi 150 años después surgieron el Singspiel alemán, la Opèra-Comique francesa, la opereta vienesa y el musical inglés y estadounidense. Todos estos subgéneros son, en rigor, subclasificaciones regionales de la ópera de números musicales. Los elementos musicales del tipo de ópera de números musicales se clasifican según sean partes orquestales o cantadas. En las partes orquestales es posible identificar los siguientes números:
la
Obertura, que es un número musical con el que se inicia la obra. Según sus características puede ser considerada en estilo "italiano" o "sinfonía", si está constituida por varios movimientos. También puede recapitular material temático luego utilizado durante el resto de la ópera. Como ejemplo de este tipo recuérdese la obertura de Tannhäuser de Wagner o de Hänsel und Gretel de Engelbert Humperdinck. La obertura puede también proponer un resumen de la acción de la ópera. Como ejemplo de este tipo recuérdese la obertura de El cazador furtivo de Carl Maria von Weber. En no pocas ocasiones las oberturas se conectan directamente con el inicio de la trama del primer acto. En tales casos, se ha escrito un final orquestal para poder tocar las oberturas de modo independiente en la sala de concierto. Como ejemplo de este caso, recuérdese la obertura de Don Giovanni de Wolfgang Amadeus Mozart
el
Preludio es una forma de obertura desarrollada a partir de los dramas musicales de Wagner. Se caracterizan por no seguir una de las formas musicales fijas establecidas en siglos anteriores para la obertura y ser una pieza orquestal libre. Como ejemplo de este tipo recuérdese los preludios de Lohengrin o de Tristan und Isolde de Wagner, de Die Gezeichneten de Franz Schreker o [[Palestrina (ópera)Palestrina]
Los
Intermedios (intermezzo) son piezas orquestales ejecutadas, en la mayoría de los casos, entre dos actos diferentes, aunque también se da el caso de intermedios que se ejecutan entre dos escenas diferentes de un mismo acto y que sirven para dar tiempo de cambiar la escenografía. Como ejemplo recuérdese los correspondientes de la ópera Peter Grimes de Benjamin Britten o los de La hija de Rapaccini de fernando Catan
La ópera de flujo musical continuo
Durante el siglo XIX, los compositores dejaron de cultivar la estricta secuencia de diálogos, recitativos y números musicales cerrados. Hacia 1825 se dejó de utilizar el recitativo secco utilizándose, en su lugar, inicialmente en la ópera italiana, el principio de la "escena y aria", el cual empleó Verdi para estructurar los actos de sus óperas.
Richard Wagner desarrolló a mediados del siglo XIX una forma con la cual prescindió completamente del uso de números musicales y en la cual el libreto y la música se conjugan en una unidad sinfónica. En tal, como se ha dicho, se propone un para utilizar un flujo musical contínuo y se prescinde de números musicales, los cuales fragmentaban la estructura de los actos. Tal flujo musical constante conlleva, también, a evitar repeticiones en el texto, como eran usuales en la ópera italiana. La renuncia a la repetición del texto ensayó acercarse a un principio aristotélico de verosimilitud. Para subrayar la importancia del libreto, el principio de verosimilitud y el uso del flujo musical constante, Richard Wagner deja de designar sus obras con la voz "ópera" para llamarlas "drama musical". Para su Tristan und Isolde utiliza la designación "Handlung in Musik" (Acción dramática para música), lo cual está enparentado con designaciones como "favola in musica" o "dramma per musica" de los libretos de Giovanni Francesco Busenello, giovanni y otros puestos en metro músico por compositores como Claudio Monteverdi, Francesco Cavalli y Antonio Cesti. El caso signa un esfuerzo por subrayar la importancia del drama, en contraposición a la preponderancia que tenía la presencia del cantante solista en la ópera italiana (considérese las obras de Rossini, Donizetti, Bellini, Mercadante) y la cual llevó, especialmente durante el periodo del Bel-Canto a una completa falta de calidad en el texto y en la música. El modelo de ópera de flujo musical contínuo se impuso al final del siglo XIX también en Francia (considérense las óperas de Jules Massenet), en Italia (por ejemplo con Giacomo Puccini), España (por ejemplo las óperas de Felipe Pedrell). La ópera estructurada bajo el principio del flujo musical continuo se mantuvo durante todo el siglo XX (recuérdese las obras de Claude Debussy, Paul Dukas, Karol Szymanowski, Carlos Chávez, Heitor Villa-Lobos y Alberto Ginastera), aunque algunos compositores como Zoltán Kodály, Ígor Stravinsky y más recientemente federico Ibarra han vuelto a escribir óperas basadas en el principio de números musicales.

Historia
[
editar] Orígenes
Artículo principal:
Orígenes de la ópera

Claudio Monteverdi
La palabra opera significa "obra" en
italiano (es el plural de opus, del Latín, que significa "obra" o "labor") sugiriendo que combina las artes del canto coral y solista, declamación, actuación y danza en un espectáculo escénico.
Algunos autores señalan como precursores formales de la ópera a la
tragedia griega, a los cantos carnavalescos italianos del siglo XIV (la mascerata italiana) y a los intermedios del siglo XV (pequeñas piezas musicales que se insertaban durante las representaciones teatrales).[2]
Dafne de Jacopo Peri fue la primera composición considerada ópera, tal como la entendemos hoy. Fue escrita alrededor de 1597, bajo la gran inspiración de un círculo elitista de literatos humanistas florentinos, conocidos como la "Camerata de' Bardi". Significantemente, Dafne fue un intento de revivir la tragedia griega clásica, parte del más amplio revivir de las características de la antigüedad, propio del Renacimiento. Los miembros de la Camerata consideraban que las partes corales de las tragedias griegas fueron originalmente cantadas, y posiblemente el texto entero de todos los roles; la ópera entonces fue concebida como una manera de "restaurar" esta situación. Dafne se halla perdida. Una obra posterior de Peri, Euridice, de 1600, es la primera ópera que ha sobrevivido. El honor de ser la primera ópera que aún se presenta regularmente le corresponde a L'Orfeo de Claudio Monteverdi, compuesta para la corte de Mantua en 1607.
[
editar] Ópera Italiana
Artículo principal:
Ópera italiana
[editar] Era barroca
La ópera no iba a permanecer confinada a las audiencias cortesanas por mucho tiempo; en 1637 la idea de una "temporada" (
Carnaval) de óperas de «interés público», sostenida por la venta de boletos, surgió en Venecia. Monteverdi se había radicado allí, y compuso sus últimas óperas, Il ritorno d'Ulisse in patria y L'incoronazione di Poppea, para el teatro veneciano en la década de 1640. Su principal seguidor Francesco Cavalli colaboró en la propagación de la ópera en Italia. En estas primeras óperas barrocas, la amplia comedia fue combinada con elementos trágicos en una mezcla que sacudió algunas sensibilidades educadas, apareciendo el primero de varios movimientos reformistas de la ópera. Tal movimiento contó con el patrocinio de la Academia Arcadiana de Venecia, que estaba asociada con el poeta Metastasio. Los libretos de este autor ayudaron a cristalizar el género de la ópera seria, la cual se convirtió en la forma dominante de ópera italiana hasta fines del siglo XVIII. Una vez que el ideal Metastasiano fue establecido firmemente, la comedia en la ópera de la era barroca fue reservada para la que sería conocida como opera buffa.

George Frideric Handel, 1733
Antes de que estos elementos fueran expulsados de la ópera seria, muchos libretos ofrecían por separado una trama cómica desdoblada, como una especie de "ópera dentro de una ópera". Un motivo de peso para que esto ocurriera fue el intento de atraer a los teatros de ópera públicos a los miembros de la creciente clase mercantil, nuevamente vigorosa, pero aún menos culta que las clases nobles. Estos argumentos separados fueron resucitados casi inmediatamente en el desarrollo por separado de una nueva tradición, que derivó en parte de la "commedia dell' arte", (como de hecho, tales tramas siempre habían estado) una largamente floreciente etapa de la tradición italiana. Apenas estos "intermedios" fueron presentados una vez entre medio de los actos de una representación escénica, las óperas en el nuevo género del «intermezzi» se desarrollaron ampliamente en Nápoles durante las décadas de 1710 y 1720, siendo inicialmente presentadas durante los intermedios de la ópera seria. Llegaron a ser tan populares, sin embargo, que pronto eran ofrecidas como producciones separadas.
La ópera seria fue elevada en tono y altamente estilizada en forma, consistiendo generalmente en recitativo «secco» intercalado con largas arias «da capo». Ésto produjo grandes oportunidades para el virtuosismo vocal, y durante la era dorada del la ópera seria el cantante se convirtió en estrella. Los roles de héroe fueron usualmente escritos para la voz de
castrato, tales como Farinelli y Senesino, así como las heroínas sopranos como Faustina Bordoni, fueron altamente demandados a lo largo de toda Europa, mientras la ópera seria rigió los escenarios de cada país, excepto Francia. De hecho, Farinelli fue el cantante más famoso del siglo XVIII. La ópera italiana fijó el estándar barroco. Los libretos italianos fueron la norma, incluso cuando un compositor alemán como Handel se encontró escribiendo para las audiencias londinenses. Los libretos italianos continuaron dominando en el período Clásico, por ejemplo, con óperas de Mozart, quien escribió en Viena casi un siglo después. Los principales compositores nativos italianos de ópera seria fueron Alessandro Scarlatti, Vivaldi y Nicola Porpora.
[
editar] Reformas de Gluck, Mozart

Orfeo ed Euridice: Ilustración de la portada de una edición del libreto (París, 1774)

K527
Obertura de Don Giovanni, una de las piezas más famosas de Mozart (1787).
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La “ópera seria” tuvo sus debilidades y críticas, siendo atacados principalmente su gusto por el adorno vocal de cantantes magníficamente entrenados, y el uso del espectáculo como reemplazo de la pureza y la unidad dramáticas. Ensayo sobre la ópera (1755) de
Francesco Algarotti demostró ser una inspiración para las reformas de Christoph Willibald Gluck. Sostuvo que la “opera seria” tenía que volver a sus bases, el ideal metastasiano, y que todos los diversos elementos —música (instrumental y vocal), ballet, y puesta en escena— deben subordinarse al drama. Sus ideas no resultaron aceptadas por todos los compositores, dando inicio a la Querella de gluckistas y piccinnistas. De igual modo, varios compositores del período, incluyendo a Niccolò Jommelli y Tommaso Traetta, intentaron poner en práctica sus ideales. El primero en ser realmente exitoso y dejar una impronta permanente en la historia de la ópera, sin embargo, fue Gluck. Gluck trató de gestar una "bella simplicidad". Esto ha sido ilustrado en la primera de sus óperas "reformadas", Orfeo ed Euridice, donde las líneas vocales carentes de virtuosismo son apoyadas por armonías simples y una presencia orquestal notablemente más rica de lo usual.
Las reformas de Gluck han tenido resonancia a través de la historia operística. Weber, Mozart y Wagner, en particular, fueron influenciados por sus ideas. Mozart, en muchos sentidos, el sucesor de Gluck, combinó un magnífico sentido del
drama, armonía, melodía, y contrapunto para componer una serie de comedias, especialmente Così fan tutte, Le nozze di Figaro, y Don Giovanni (en colaboración con Lorenzo da Ponte), que permanecieron entre las más populares, amadas y conocidas del repertorio. Pero la contribución de Mozart a la “opera seria” fue menos clara, a pesar de sus excelentes obras Idomeneo y La clemenza di Tito, su estado de salud y su precoz muerte no le permitieron hacer renacer el género.
[
editar] Bel canto, Verdi y Verismo

La donna è mobile
Enrico Caruso interpreta «La donna è mobile», de Rigoletto de Giuseppe Verdi (1908)
No Pagliaccio non son
De Pagliacci de Ruggiero Leoncavallo. Interpretado por Enrico Caruso
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Giuseppe Verdi, por Giovanni Boldini, 1886 (Galería Nacional de Arte Moderno, Roma)
El movimiento operístico de «
Bel canto» floreció a principios del siglo XIX, siendo ejemplificado por las óperas de Rossini, Bellini, Donizetti, Pacini, Mercadante y muchos otros. Bel canto, en italiano significa "canto bello", y la ópera deriva de la escuela estilística italiana de canto del mismo nombre. Las líneas belcantistas son típicamente floridas e intrincadas, requiriendo suprema agilidad y control del tono.
Continuando con la era del «Bel canto», un estilo más directo y vigoroso fue rápidamente popularizado por
Giuseppe Verdi, comenzando con su ópera bíblica Nabucco. Las óperas de Verdi resonaban con el crecimiento del espíritu del nacionalismo italiano en la era post-napoleónica, y rápidamente se convirtió en un ícono del movimiento patriótico (aún cuando sus propias políticas no fueron quizás tan radicales). A principios de la década de 1850, Verdi produjo sus tres óperas más populares: Rigoletto, Il trovatore y La traviata. Pero continuó desarrollando su estilo, componiendo tal vez la mayor Grand Opéra francesa, Don Carlo, y culminando su carrera con dos trabajos inspirados en obras de Shakespeare, Otello y Falstaff, las cuales revelan el gran crecimiento en sofisticación de la ópera italiana desde principios del siglo XIX.
Luego de Verdi, el melodrama sentimental "realista" del «
Verismo» apareció en Italia. Éste fue un estilo introducido por Pietro Mascagni con su Cavalleria Rusticana y Ruggiero Leoncavallo con Pagliacci, estilo que llegó virtualmente a dominar los escenarios de ópera mundiales con obras tan populares como La Boheme, Tosca, y Madama Butterfly de Giacomo Puccini. Compositores italianos posteriores, tales como Luciano Berio y Luigi Nono, experimentaron con el modernismo.
[
editar] Ópera alemana
Artículo principal:
Ópera alemana

Tristan und Isolde: Preludio
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La primera ópera alemana fue Dafne, compuesta por
Heinrich Schütz en 1627, cuya música se ha perdido. La ópera italiana continuó teniendo gran presencia e influencia sobre los países de habla alemana hasta finales del siglo XVIII. De todas maneras, se desarrollaron formas nativas. En 1644 Sigmund Staden produjo el primer Singspiel, una forma popular de ópera en idioma alemán, en el cual se alternan canto con diálogo hablado. A fines del siglo XVII y principios del siglo XVIII, el Theater am Gänsemarkt en Hamburgo presentó óperas alemanas de Keiser, Telemann y Handel. Aún muchos compositores alemanes importantes de la época, entre ellos el mismo Handel, Graun, Hasse y más tarde Gluck, elegían escribir la mayoría de sus óperas en idiomas extranjeros, en especial, italiano.
Los «Singspiele» de
Mozart, Die Entführung aus dem Serail (1782) y Die Zauberflöte (1791) fueron un importante salto para la consecución del reconocimiento internacional de la ópera alemana. La tradición fue desarrollada en el siglo XIX por Beethoven con su Fidelio, inspirada en el clima de la Revolución francesa. Carl Maria von Weber estableció la ópera dentro del Romanticismo alemán oponiéndose a la dominación del «Bel canto» italiano. Su Der Freischütz (1821) muestra su genialidad para la creación de atmósferas sobrenaturales. Otros compositores de la época fueron Marschner, Schubert, Schumann y Lortzing, pero la figura más significante indudablemente fue Richard Wagner.

Ilustración inspirada en el drama musical de Wagner: Das Rheingold
Wagner fue uno de los compositores más revolucionarios y controversiales de la historia de la música. Comenzó bajo la influencia de
Weber y Meyerbeer, gradualmente desarrolló un nuevo concepto de ópera como una “Gesamtkunstwerk” ("obra de arte completa"), una fusión entre música, poesía y pintura. En sus dramas musicales maduros, Tristan und Isolde, Die Meistersinger von Nürnberg, Der Ring des Nibelungen y Parsifal, abolió la distinción entre aria y recitativo en favor de un flujo continuo de "melodía sin fin". Incrementó en gran medida el protagonismo y el poder de la orquesta, creando partituras con una compleja red de leitmotiv, temas recurrentes a menudo asociados con los personajes y conceptos del drama; y estuvo preparado para violar convenciones musicales aceptadas, tales como la tonalidad, en este caso, para mayor expresividad. Wagner también trajo una nueva dimensión filosófica para la ópera en sus obras, las cuales usualmente se basan en historias de la Mitología germana o leyendas arturianas. Wagner construyó su propio teatro en Bayreuth, dedicado exclusivamente a la representación de sus obras en el estilo que él deseaba.
La ópera no volvió a ser la misma después de Wagner y para muchos compositores su legado constituyó una pesada carga. Por otra parte,
Richard Strauss aceptó las ideas wagnerianas pero la tomó en una dirección muy diferente. Su primer éxito lo consiguió con la escandalosa Salome y la tragedia negra Elektra, en la cual la tonalidad fue llevada hasta sus límites. Luego Strauss cambió de rumbo en lo que sería su mayor éxito, Der Rosenkavalier, donde Mozart y los valses vieneses se convirtieron en gran influencia como Wagner. Strauss continuó produciendo un altamente variado cuerpo de obras operísticas, a menudo con libretos del poeta Hugo von Hofmannsthal, hasta Capriccio en 1942. Otros compositores que hicieron sus aportes individuales a la ópera alemana en el siglo XX fueron Alexander von Zemlinsky, Paul Hindemith, Kurt Weill y el italiano Ferruccio Busoni. Las innovaciones operísticas de Arnold Schoenberg y sus sucesores serán discutidas en el apartado de Modernismo.
Ópera francesa
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Ópera francesa
Ópera rusa
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Ópera rusa

Fiódor Chaliapin como Ivan Susanin en Una vida por el Zar de Glinka
La ópera fue traida a
Rusia en la década de 1730 por las compañías operísticas italianas y pronto se convirtieron en parte importante en el entretenimiento de la Corte Imperial Rusa y la aristocracia. Algunos compositores extranjeros como Baldassare Galuppi, Giovanni Paisiello, Giuseppe Sarti, y Domenico Cimarosa, entre otros, fueron invitados a Rusia a componer nuevas óperas, la mayoría, en idioma italiano. Simultáneamente algunos músicos nacionales como Maksym Berezovsky y Dmitri Bortniansky fueron enviados al extranjero a aprender a escribir óperas. La primer ópera escrita en idioma ruso fue Tsefal i Prokris del compositor italiano Francesco Araja (1755). El desarrollo de la ópera en lengua rusa fue apoyado por los compositores nativos Vasily Pashkevich, Yevstigney Fomin y Alexey Verstovsky.
De todas maneras, el nacimiento real de la ópera rusa llegó con
Mikhail Glinka y sus dos grandes óperas Una vida por el Zar, (1836) y Ruslán y Liudmila (1842). Posteriormente, en el siglo XIX en Rusia se escribieron obras maestras del género operístico, como Rusalka y El convidado de piedra de Alexander Dargomischski, Boris Godunov y Khovanshchina de Modest Mussorgsky, El Príncipe Igor de Alexander Borodin, Evgeni Onegin y La dama de picas de Pyotr Ilyich Tchaikovsky, y Blancanieves y Sadkó de Nikolai Rimsky-Korsakov. Estos desarrollos reflejaron el crecimiento del nacionalismo ruso a lo largo del espectro artístico, como parte del más general movimiento eslavofílico.
En el siglo XX las
tradiciones de ópera rusa fueron desarrolladas por varios compositores, entre ellos, Sergéi Rajmáninov con sus obras El caballero avaro y Francesca da Rimini, Igor Stravinsky con El ruiseñor, Mavra, Oedipus rex, y The Rake's Progress, Sergéi Prokófiev con El jugador, El amor de las tres naranjas, El ángel de fuego, Esponsales en el convento y Guerra y paz; como también Dmitri Shostakóvich con La nariz y Lady Macbeth de Mtsensk, Edison Denisov con L'écume des jours, y Alfred Schnittke con Life With an Idiot, e Historia von D. Johann Fausten. Ópera española
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Ópera española
Ópera latinoamericana
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Ópera latinoamericana
La ópera llega a América Latina como consecuencia de la colonización europea. La primera ópera compuesta y ejecutada en América fue La púrpura de la rosa, ópera en un acto compuesta por Tomás de Torrejón y Velasco sobre un libreto de Pedro Calderón de la Barca. Fue estrenada el 19 de octubre de 1701 en el Virreinato del Perú. La obra cuenta el mito de los amores de Venus y Adonis, que provoca los celos de Marte y su deseo de venganza.
Otras tradiciones nacionales

Stay, Prince and hear
Una escena de la obra maestra de Purcell, Dido and Aeneas. El mensajero de las brujas, en la forma del mismo Mercurio, intenta convencer a Aeneas de abandonar Cartago. Nótese el uso del recitativo al estilo italiano, una rareza en la ópera inglesa de esa época.
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Una de las principales tradiciones operísticas es la constituida por la ópera inglesa. Si bien Gran Bretaña fue centro activo de vida operística, contó con pocos compositores reconocidos a nivel mundial. Henry Purcell fue el más notable compositor barroco, entre sus aportes destacan su obra maestra, Dido and Aeneas (1689) y su obra shakesperiana La reina de las hadas (1692). Ya en el siglo XX, la ópera en inglés logra su esplendor principalmente gracias al aporte de Benjamin Britten, con óperas entre las cuales se cuentan Peter Grimes y La violación de Lucrecia; y se suman las composiciones de importantes creadores estadounidenses tales como George Gershwin, con su famosa Porgy and Bess, o Gian Carlo Menotti con Vanessa y La médium.
Los compositores
checos también desarrollaron un próspero movimiento nacional operístico en el siglo XIX, comenzando con Bedřich Smetana que escribió ocho óperas, incluyendo la internacionalmente popular La novia vendida. Antonín Dvořák, más famoso por Rusalka, escribió 13 óperas; y Leoš Janáček obtuvo reconocimiento internacional en el siglo XX por sus obras innovadoras, entre ellas Jenůfa, La zorra astuta, y Katia Kabanová.
La figura clave de la ópera nacional
húngara en el siglo XIX fue Ferenc Erkel, cuyos trabajos se centraron principalmente en temas históricos. Entre sus obras más representadas se encuentran Hunyadi László y Bánk bán. La ópera húngara moderna más famosa es El castillo de Barba Azul de Béla Bartók.
El más reconocido compositor de la
Ópera polaca fue Stanislaw Moniuszko, aclamado por la ópera Straszny Dwór. En el siglo XX, otras óperas creadas por compositores polacos son El rey Roger de Karol Szymanowski y Ubu Rex de Krzysztof Penderecki.